20 Reglas de Diseño hechas para Romperse

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¿Listo para romper las reglas del diseño?

Las reglas se hicieron para cumplirse, y en el diseño no nos podemos quedar atrás. Tratar de evitar cumplir con dichas reglas puede causar conflicto en el mensaje que se quiere transmitir.

Las reglas se pueden romper, pero jamás ignorar
– David Jury, Tipógrafo

Sin embargo, hay algunas veces en las que se pueden hacer excepciones y romper las reglas es indispensable para la innovación y creación de nuevas formas y métodos para que tus diseños lleguen a más personas.

Tenemos que dejar en claro que no siempre podemos romper dichas reglas, hay que establecer un equilibrio entre lo que se puede arriesgar y lo que no, saber hasta donde podemos llegar y establecer nuestros límites individuales, y eventualmente estarás creando un estilo propio.

Entonces, las reglas están para romperlas, pero incluso para eso hace falta saber cómo hacerlo: primero hay que conocerlas y seguirlas, hay que dominarlas completamente, puede resultar un proceso largo, de autoconocimiento, de métodos y disciplina, pero te dará resultados innovadores.

A continuación te presentamos Las 20 reglas para hacer un buen diseño

1. “Ten un concepto“.

Si no hay mensaje, sin historia ni idea, narrativa o experiencia útil, no es diseño gráfico. No importa lo asombroso que sea apreciarlo; sin un mensaje claro, es un envase vacío, aunque estéticamente atractivo.

2. “Hay que comunicar, no decorar“.

La forma tiene significado, no importa cuán simple o abreviada sea. Si la forma que no es la adecuada comunicará mensajes sin intención, tal vez no sean significativas para su audiencia o que probablemente no le importe. Está bien experimentar con formas, detalles y efectos de moda, pero si haces algo sin considerar el significado de tu mensaje terminas con una masa desordenada de ruido que no ya califica como diseño.

3. “Utiliza solo un lenguaje visual“.

Aquí es donde debes pensar en cómo todas las partes de tu composición se relacionan entre sí. El buen diseño utiliza un lenguaje visual singular o una lógica interna para abordar todas las partes del diseño, de modo que se refuercen, reafirmen y hagan referencia entre sí, no solo en forma o peso, sino también conceptualmente.

Si un elemento parece fuera de lugar o parece desconectado de los demás, el mensaje general se debilita.

4. “Utiliza dos familias tipográficas como máximo“.

Elije sus tipos de letra para fines específicos. Toma decisiones sobre los tipos de letra que selecciones, cómo se aplicarán y con qué propósito.

5. “Golpea en dos tiempos: ¡un, dos!“.

Concéntrate en la atención de los espectadores en una cosa importante primero y luego llevalos a pensar en el resto. Una vez que capturas a la audiencia con una forma grande, una imagen sorprendente, una fuente dramático o un color impactante, disminuye constantemente la actividad de cada elemento menos importante de una manera lógica para ayudarlos a superarlo. Establecer una jerarquía es esencial para la accesibilidad y la facilidad de uso y búsqueda de la información. Recuerda que estás diseñando materiales para atraer la atención del público, para obtener la información que necesitan y ayudarlos a recordarla después, cuando la necesiten.

6. “Escoge los colores con un propósito”.

No te limites a tomar algunos colores del aire. Tienes que saber qué harán los colores cuando los combines y, lo que es más importante, qué pueden significar para la audiencia. El color conlleva una gran cantidad de significado psicológico y emocional, y este significado puede variar enormemente entre grupos culturales e incluso entre individuos. El color afecta la jerarquía visual, la legibilidad de la letra y cómo las personas hacen conexiones entre elementos dispares (a veces llamados codificación de colores), así que elije sabiamente. Nunca asumas que un determinado color, o una combinación de colores, es adecuado para un trabajo en particular. Elije los colores que sean correctos, no los que se esperan.

7. “Si puedes hacerlo con menos, adelante”.

– es + .

8. “El espacio negativo es mágico: no lo rellenes, ¡créalo!”

A menudo se dice que el espacio negativo es más importante que las cosas que hay en él. En la mayoría de los casos esto es cierto. El espacio llama la atención sobre el contenido lo separa, no relacionado que lo rodea y le da a los ojos un lugar de descanso. El espacio negativo es simplemente una forma con la que tienes que lidiar en una composición como formas positivas, ya sean imágenes o tipos.

9. “Trabaja la tipografía como si tuviera la misma importancia que la imagen”.

Una de las fallas más grandes en el uso de la tipografía es que la mayoría falla en el este sentido de utilizarla separada sin de la fotografía principal, usando tipos de letra extravagantes, bajo la suposición de que si es grande y encima de la foto, está integrada. La tipografía es material visual compuesto por líneas, puntos, formas y texturas que deben relacionarse compositivamente con todo lo demás incluido en el diseño, sin importar cuán diferentes parezcan ser.

10. “Los tipos solo son tipos cuando son agradables”.

La tipografía puede ser expresiva, manipulada para ser parte de una estructura de lenguaje, puede resonar con su audiencia y hacer referencia a aquella época cultural. Aún así, debe transmitir información.

11. “Tienes que ser universal; recuerda: tu trabajo no es para ti”.

Piensa hacia fuera, proyecta tu idea para que pueda llegar a tu público. Habla su lenguaje.

12. “Comprime y separa”.

Aprovecha los espacios, pero ten la capacidad de generar ritmo en la lectura. Aprende a utilizar el silencio, la ausencia de elementos que hará que lo realmente importante destaque de verdad.

13. “Distribuye la luz y la oscuridad como fuegos artificiales o un amanecer”.

Concentra áreas de mayor oscuridad e ilumínalas con explosiones de luz creando un contraste agradable y legible.

14. “Sé decisivo: hazlo con un propósito o no lo hagas”.

Sé claro y conciso, sé fiel al concepto y a la estrategia, y síguelos hasta su última consecuencia. Así el mensaje llegará mucho más claramente.

15. “Mide con los ojos: el diseño es visual”.

No siempre las medidas son la única respuesta, sigue tus instintos y diseña «A ojo del buen diseñador».

16. “Crea tus propias imágenes”.

Crea lo que necesites, y hazlo lo mejor que puedas, aunque también puedes pagar por algunas. En ocasiones es muy fácil caer en el uso excesivo de imágenesy gráficos de stock. Intenta hacer algo mas personalizado.

17. “Ignora las modas”.

Diseña basándote en el significado, no sobre lo que tu audiencia está esperando ver, de acuerdo a lo que ellos estén acostumbrados. Cuando tengan la guardia baja, ese momento los puedes llegar a sorprender.

18. “¡Muévelo! Estático es igual a aburrido”.

Dar la sensación de movimiento hará que tu audiencia se enganche con la acción. Crea materiales dinámicos utilizando diferentes técnicas como 3d, sombreados, desenfoques, dales esa ilusión.

19. “Busca en la historia, pero no la repitas”.

Aprende de los proyectos de otras personas, pero no cometas sus mismos errores. Traza tu propio camino.

20. “La simetría es el mayor de todos los males”.

La simetría en el diseño nos da esta sensación de equilibrio, que todo esta bien, pero en algunas ocasiones esto puede ser aburrido. Si nos arriesgamos y salimos de esta simetría podemos llamar la atención de la audiencia.

Ya que tenemos nuestras reglas, sólo nos queda practicar para dominarlas, y así poder empezar a romperlas.

Twenty Rules for Making Good Design

Para escribir este artículo nos basamos en el autor Timothy Samara, Design Elements: A Graphic Style Manual quién nos muestra sus reglas a seguir. Prácticamente es un manual de estilo para diseñadores gráficos.

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